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Esta importante colección que reúne más de doscientas estampas del artista podrá visitarse en el Espacio Cultural de la entidad hasta el 20 de diciembre
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CajaCanarias instala en su Espacio Cultural de la capital tinerfeña una completa muestra de los grabados que Francisco de Goya y Lucientes realizó entre 1778 y 1815, en una propuesta que dentro del programa Otoño Cultural que organiza esta entidad de ahorro, permitirá mostrar al público tinerfeño una de las facetas menos conocidas del pintor, pese al esplendor del que gozaron sus estampas en el Siglo de las Luces.
Esta exposición se inaugura a las 20:30 horas de este jueves día 2 de octubre y permanecerá abierta al público hasta el próximo 20 de diciembre, en horario de lunes a viernes de 11 a 13 y de 17 a 21 horas, y los sábados de 11 a 14 y de 17 a 20 horas.
‘Goya. Esplendor del Grabado’, está compuesta por más de doscientos grabados pertenecientes a las series ‘Caprichos’, ‘Desastres de la guerra’ y ‘Tauromaquia’. La propuesta fue presentada ante los medios de comunicación en la mañana de este jueves, de la mano del director de la Obra Social y Cultural de CajaCanarias, Álvaro Marcos Arvelo, y de Hans Meinke, director de Círculo del Arte en Barcelona, entidad propietaria de esta colección.
En esta primera toma de contacto con los grabados del artista, Arvelo destacó que “Goya fue el primer pintor humanista de la historia. Su posición es la del testigo que se impone al compromiso con su tiempo. Bailó con cadenas pintando a los cortesanos y a los miembros de una monarquía mediocre y decadente, pero supo volar libre en sus grabados. Nunca fue más veraz su arte que en sus estampas”. También agradeció la colaboración de Círculo del Arte, y del inspirador trabajo de su director, Hans Meinke, quien ha cultivado durante varias décadas el amor por los libros, por la edición de obras gráficas seleccionadas y cuidadas con esmero.
El producto más puro de Goya
Según palabras de Juan Carrete Parrondo, historiador especializado en la obra del genial artista y ex director de la Calcografía Nacional en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, “el grabado en Goya es quizá el producto más puro de su pensamiento en cuanto a lo que se entiende por artista, pues en el cultivo de esta técnica se mostró con total libertad y pudo comunicar de forma gráfica su concepto de lenguaje de invención”.
En el tiempo en que vivió Francisco de Goya (1746-1828), la Ilustración, el Siglo de las Luces, fue una época en que el poder, en manos de la minoría ilustrada, quiso educar a todo un pueblo en los principios de la Razón, nada más fácil de entender que el grabado se convirtiera en un medio de comunicación y persuasión de suma importancia, y los realizados por Francisco de Goya, en los más importantes y transcendentes en la historia de España. Fue, sin duda, el momento de su máximo esplendor.
Caprichos
Las primeras obras grabadas de Goya se pueden datar hacia el año 1778 cuando, de forma incipiente, copió al aguafuerte dieciséis pinturas de Velázquez pertenecientes a la Colección Real. Pero fue a partir de 1793 cuando Goya sacó el máximo partido de una técnica que puso al servicio de sus ideas.
Los ‘Caprichos’ no son otra cosa sino un intento de denuncia a la vez que educativo, un querer propagar las ideas de la minoría ilustrada, que tenía puestas sus esperanzas en el hombre razonable pero, además, incorporando una variante de la técnica del aguafuerte, el aguatinta, lo que proporcionaba el carácter pictórico y no solamente lineal a las estampas.
La publicación de los ‘Caprichos’ en 1799 se convirtió en uno de los símbolos del final del Antiguo Régimen y el nacimiento de la época moderna. En este momento Goya inició una actividad artística completamente personal y al margen de sus compromisos. A estos años pertenecen sus primeros álbumes de dibujos y la utilización del grabado como vehículo de expresión de sus propios pensamientos y obsesiones.
En el grabado, Goya pudo expresarse libremente al igual que ocurriera con aquellas pinturas que nacían sin ser obra de encargo, en las cuales, según el mismo pintor comentaba, podía "hacer observaciones a las que regularmente no dan lugar las obras encargadas, y en que el capricho y la invención no tienen ensanches". Por esta razón, no es de extrañar que siempre estuviera ávido por incorporar todas aquellas innovaciones que pudieran abrir nuevas posibilidades a su mundo de creación.
Los desastres de la guerra
En 1808, Goya, a los sesenta años de edad, fue víctima y testigo de una de las más significativas crisis bélicas de la historia de España: la Guerra de la Independencia (1808-1814). La guerra fue un motivo suficientemente violento y poderoso como para que Goya volviera a retomar su frenética actividad privada que apenas un reducido número de amigos compartían. De nuevo, como ocurriera años atrás, pensamientos, reflexiones y amarguras encontraron en el dibujo y el grabado el medio natural para expresarse.
En pocas ocasiones se ha llegado a plasmar con tan escalofriante dramatismo, como en los ‘Desastres de la guerra’, los horrores de la guerra, sus nefastas consecuencias y, lo que aún es peor, la muerte de la esperanza. Habría que esperar a los actuales documentos cinematográficos para conseguir efectos parecidos a los logrados por esta serie goyesca.
El pintor vivía en Madrid cuando tuvo lugar el levantamiento de la población el 2 de mayo de 1808, y poco después, en la primera semana de octubre de ese mismo año, se trasladó a Zaragoza, ciudad que había sufrido un largo y destructivo asedio por parte de los ejércitos franceses, llamado por el general Palafox para que inmortalizara con su pintura "las glorias de aquellos naturales”.
Es muy probable que los ‘Desastres de la guerra’ tengan su origen en los sucesos de Zaragoza, pues el pintor se vio inmerso en el mismo escenario de la contienda y en contacto directo con la realidad de una ciudad devastada. Se sabe que allí pintó algunos bocetos al óleo e hizo varios dibujos. Aunque el primer sitio de Zaragoza pudo inspirar casi una veintena de las estampas que forman la colección, la rapidez de los acontecimientos, su viaje por unas tierras que padecían todo el sufrimiento de la guerra, la generalización a todo el Reino de la sangrienta contienda donde se habían implicado militares y paisanos, la inseguridad y el hambre, fueron circunstancias lo suficientemente poderosas para que esa idea inicial se transformara sustancialmente.
En la actualidad se conservan cincuenta y seis dibujos preparatorios para esta serie, todos ellos en el Museo del Prado, en los que predomina la técnica del lápiz rojo, algunos de ellos invertidos con respecto a la estampa y muchos con la característica huella de la lámina.
En los ‘Desastres de la guerra’ se denota un apego a la realidad cotidiana que puede explicar la continuidad cronológica que se aprecia en la totalidad de la obra: el levantamiento y la lucha popular, los efectos devastadores de la contienda, el hambre en Madrid, las consecuencias de los siniestros seis primeros años de reinado de Fernando VII y la esperanza de cambio con el advenimiento del Trienio liberal. Se pueden diferenciar tres grandes ciclos en esta colección: hasta el Desastre 47 escenas de la guerra, desde el 48 hasta el 64 las escenas referidas al hambre en Madrid y, finalmente, los caprichos enfáticos.
La Tauromaquia
Es difícil dar las razones precisas por las que Francisco de Goya acometió su ‘Tauromaquia’. Algunas de las láminas de cobre están firmadas y fechadas en 1815, de modo que en esos momentos compaginaba el grabado de los ‘Desastres de la guerra’ con un tema aparentemente de recreo que ha llevado a muchos estudiosos a concebirlo como un paréntesis y un refugio donde, el ya anciano pintor, podía rememorar y evocar tiempos de su juventud.
En esos años Goya volvía a encontrarse en una situación económica precaria y la realidad opresiva del gobierno de Fernando VII no debía contribuir a aligerar el desencanto y la amargura que se aprecian en el pintor. La idea de crear estampas de tema taurino como una, relativamente fácil, fuente de ingresos fue la que, según la documentación conservada, movió al pintor años más tarde a dibujar la serie de los Toros de Burdeos en el establecimiento litográfico de Gaulon.
Para esta colección, Goya empleó un periodo de tiempo no superior a dos años y medio. La mayor parte de los dibujos preparatorios se conservan en la actualidad en el Museo del Prado y están dibujados con sanguina roja. Todas las composiciones tienen un estilo muy similar y, excepto una, se presentan con una gruesa línea de enmarque. La técnica de grabado, sin ser tan innovadora como en las colecciones que hizo con anterioridad, demuestran la armonía, destreza y capacidad pictórica que puede existir en la combinación de todas ellas.
Singulariza a esta serie el carácter dramático que Goya dio a las composiciones. En la mayoría de las estampas presenta el momento brutal del encuentro entre el hombre y la fiera, tratando de dominar al animal que embiste con bravura. Al compararlas con los dibujos se observa cómo progresivamente reduce a lo esencial el tema. En la mayoría de las ocasiones la plaza está insinuada por la barrera en la que a veces se apoya directamente el público, pero el artista que idea e inventa la ‘Tauromaquia’ es el mismo que está trabajando en los ‘Desastres de la guerra’, por ello es lógico que existan coincidencias entre estas dos colecciones: los moros de esta serie se parecen a los mamelucos, y los muertos del Desajarrete de la canalla recuerdan a esos muertos que pueblan los ‘Desastres de la guerra’.
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